（参考：SMAP『Mr.S』はなぜ1996年を想起させるのかーー森脱退がグループに残した刻印） 　同番組の収録では、巨大な岡村靖幸のオリジナルマーク（＝「ピーチマーク」）をバックに岡村とSMAPが歌い踊ったほか、『彼氏になって優しくなって』をはじめとした岡村のヒット曲を数曲歌ったスペシャルメドレーを披露した。 　ライブ収録の終了直後、中居正広は「岡村さんしか歌っちゃいけないですね。岡村ワールドです」と語り、さらに「愛はおしゃれじゃない」の歌詞にちなんで岡村に「モテたいですか」と単刀直入に質問。「モテたいです」と即答した岡村は、中居から「モテるでしょ」とツッコミを入れられるが、「いやいやいやがんばります。Non non non non がんばります！」と答えてメンバーを爆笑させたという。 　また、岡村はSMAPが出演した今夏の『武器はテレビ。SMAP×FNS27時間テレビ』について「ものすごく大感動した。すばらしかった。マジ泣きです」と感想を伝えると、中居は「岡村さんにこういう風に言っていただいたことを糧にこれからもがんばりたいと思います！」と感謝の気持ちを述べた。 　そして、今回の発表に合わせて、セルフィー（本人撮影）によるジャケット写真も公開。パッケージの外側からは2枚ずつ封入されているオリジナル・トレーディングカードのカラフルな裏面が透けて見えるという趣向となっている。（リアルサウンド編集部）

（参考：lyrical schoolが新作で示した「アイドルラップ」の可能性　再録曲に表れたグループの成長を読む）

（参考：ブレイク前夜のトラックメイカー・ユニットSugar's Campaign　ライター２氏がそのポップ性を分析） 　また、同ライブで披露した新曲「ホリデイ」を含む２曲入りのメジャーデビューシングルを11月26日にiTunes Store限定でリリースすることも決定。これに合わせ、イラストで描かれていた以前のアーティスト写真を実写化した新アーティスト写真と、『ホリデイ』のジャケット写真を公開した。 　「ホリデイ」はライブですでに披露されている人気曲で、ファンの間でも音源化が待たれている、ミドルテンポで華やかなダンスナンバー。SPEEDSTAR RECORDSのオフィシャルサイトでは、本日より「ホリデイ」の試聴がスタートしている。（リアルサウンド編集部）

（参考：広末涼子主演『聖女』の主題歌が話題沸騰　JUJUの歌声が“大人の女性“の心を掴む理由とは？） 　2010年にリリースされた『Request』は、1995年～2004年の間に発表された女性アーティストの名曲をカバー。65万枚の大ヒットを記録し、女性アーティストのカバーアルバムとしては史上初となるオリコンウィークリーチャート2週連続1位を獲得した。 　今作はより幅広い世代のファンへのリクエストに応えるべく、1989年～2005年の間に発表された女性アーティストの名曲をカバー。豪華プロデューサー陣との組み合わせとともに、現在までリリースしてきた27枚のシングルすべてに洋楽、邦楽問わず、カバー楽曲を収録してきたJUJUのシンガーとしての力量にも注目したい。 　2008年にスタートした12ヶ月連続のカバーライブ『ジュジュ苑』は2012年に日本武道館、10周年の今年は自身最大規模となる、さいたまスーパーアリーナで25,000人を動員するまでの超人気ライブへと成長。そんな中、来年の初夏からスタートする『ジュジュ苑』の全国6大都市アリーナツアー詳細日程もあわせて発表された。 　また本日より、話題の映画『クローバー』の挿入歌である、ディズニー映画の名曲カバー2曲も配信スタートした。（リアルサウンド編集部）

（参考：加藤ミリヤ、10周年ライブで“ミリヤー”達に感謝「分かち合いたいと思って曲を作っています」） 　同オーディションは、LINEアプリを使用して応募した125,094組の中から、複数回の審査を行ったのち、ファイナリスト8組によるパフォーマンスからグランプリを決定するもの。グランプリ受賞者には賞金100万円と「LINE公式アカウント」を付与、さらにソニー・ミュージックによるデビューに向けた支援が得られることが決まっていた。 　当日はオーディションの模様が約350万人ものアカウント登録者に生配信され、約63万人のユーザーがリアルタイムで視聴していた。オーディションでは審査員を務めるHIKAKINやふかわりょうらが見守るなか、演歌を歌う11歳のシンガー・小柳友莉菜や、双子のモデル市野莉佳・莉子、5人組ダンスボーカルグループのFlowBackなど、8組がそれぞれパフォーマンスを繰り広げた。 　そして、この日はオーディションの審査中、加藤ミリヤによるスペシャルライブも用意されていた。ミリヤは自身がデビューするきっかけとなったオーディションで披露し、最新作『MUSE』にも収録している宇多田ヒカル「Automatic」のカバーを披露。この日のオーディションで同曲を披露することについて「13歳の時この曲でオーディションを受け、10年たって同じ曲を、新しい物語が始まるこの場所で歌うことができてとても光栄です」と語ると、続いてはJASMINEを呼び込み、新曲「DRIVE feat. JASMINE」を初披露した。 　歌唱後、ミリヤが同曲について「JASMINEとやりたくてこの曲を作った」と語ると、JASMINEは客演として起用されたことに「超ブチ上がった！　『大好きなの』って目を見て言われて、ハートを打ち抜かれた」とミリヤと初めて対面したときのことを振り返りつつ、喜びを口にした。 　その後、結果発表が行われ、オーディションでFolder「I WANT YOU BACK（japanese ver.）」と、オリジナル曲「ありがとう～仲間へ～」を披露した、岐阜県出身で15歳のシンガーソングライター・足立佳奈がグランプリに輝いた。足立は「これまで応援してくれてありがとうございました」と、涙を流しながら語り、オーディションは終了した。（リアルサウンド編集部）

（参考：長渕剛はなぜギター１本で歌ったのか　原点回帰的ライブ『STAY DREAM』を振り返る） 　レーシングドライバーの佐藤琢磨や元プロ野球選手の清原和博、女優の北乃きいなど、芸人以外にも長渕ファンを公言する著名人は多い。もちろん、ミュージシャンの中にも長渕ファンは少なくなく、日本の音楽シーンにおける影響も大きい。 　長渕に詳しいライターの冬将軍氏は、彼に影響を受けたアーティストについて、次のように語る。 「有名なところではゆずの岩沢厚治が挙げられるでしょう。シンプルなコードながらバリエーション豊かな楽曲を生み出し、誰でも口ずさめる童謡のようなメロディラインを乗せるというフォーム、言ってみれば“歌の本質”が滲み出るような曲作りは、長渕からうまく受け継いでいるところだと思います。またハーモニカの吹き方もクセまで似ていて、長渕曲でギターとハーモニカを覚えたんだなと解ります。また、ハイテクギターと呼ばれるジャンルの押尾コータローも長渕の影響を色濃く受けていて、長渕のお家芸ともいえるスリーフィンガーピッキングが彼のギターを手にしたきっかけであり、スタイルの原点となっています。「夏祭り」という曲は一人でどうやって演奏しているのか解らない難曲として知られていて、当時のギタースコアにギター三本分の譜面が載っていたほどです。そういったテクニカルな面でも長渕は他のミュージシャンに影響を与えてきました。 　弾き語りの印象が強いですが、カントリーやサザンロック、ゴスペルなどのスワンプ・ミュージック、レゲエや60年代シャッフルビートなどを古くから取り入れていてサウンドプロデュースでも洋楽要素を取り込んできた面もあります。 　ほか、福山雅治やMr.Childrenの桜井和寿、GLAYのTAKUROなど、多くの大物ミュージシャンも影響を受けたことを公言していますし、般若やZeebraなど、ヒップホップ界隈でも長渕を慕うミュージシャンは少なくないです。長渕の歌には反骨精神ややさぐれた感傷がこもっていて、そうした部分が多くの人々の共感を呼ぶのだと思います」 　また、パフォーマンスやモードの面でも音楽シーンに大きな足跡を残してきたと、同氏は続ける。 「フォークは70年代に興隆を極めましたが、80年代に入りニュー・ミュージックという言葉が流行り始める頃にはシンセサイザーなどが流行し、アコースティックギターは一気に支持を失います。フォークの神様であるニール・ヤングやボブ・ディランまでがエレキギターを持つ時代でした。そんな中、長渕は86年にアコギ１本でロックンロールをやると宣言し、『STAY DREAM』ツアーを成功させます。ヘッドセットマイクやエレクトリック・アコースティックギターといった、今となっては定番となっている機材を導入し、センターステージに立ってギター１本で１万人のリスナーに挑むスタイルはまさに画期的でした。実は、多くの人が使う弾き語りのスタンダードになっている楽器周りは長渕が考案したものが多いんです。エレアコギターもハーモニカもハーモニカホルダーも長渕がステージで動き回りやすいように改良されていきました。それまで弾き語りといえば座ってしっとり演奏することが主流でしたが、長渕がこのスタイルを生み出したことで、パフォーマンス面でも進化し、後のニュー・フォークの勃興にも繋がったのです。最近では、たとえば大森靖子さんなどがエレアコギター１本を抱えて、ステージ上を縦横無人に動き回ったりしますが、そうしたパフォーマンスも長渕の功績の上に成り立っているといっても良いでしょう」 　今年７月にはベストアルバム『Tsuyoshi Nagabuchi All Time Best 2014 傷つき打ちのめされても、長渕剛。』をリリースし、約２年ぶりとなる全国ツアーも行った長渕。2015年夏には10万人規模のオールナイト野外ライブを行うことも決定しており、さらに新たなフォロワーを獲得しそうだ。（松下博夫）

　同作は今年立ち上げた自身のレーベル『Do Thing Recordings』からリリースする第一弾作品。収録曲には、『おはスタ』（テレビ東京系）のテーマソングになっている「あいだにダイア」や、今春全国ロードショーされた映画『猫侍』の主題歌「I’M SO GREAT!」、そして、TVアニメ『宇宙兄弟』（TBS系）のオープニングテーマ「消えない絵」のリテイク版などのタイアップ曲が多数収録される。 　また、ほぼ全曲のレコーディングを真心ブラザーズ＋伊藤大地（ドラム）、岡部晴彦（ベース）からなるバンド「Low Down Roulettes」で行っている。 　同MVは全編モノクロ映像で制作しており、購入者特典には完全非売品のアナログ盤レコードが付属するなど、懐かしさを感じさせるアイデアが多数盛り込まれている。特典映像として前回ツアーのファイナル公演として開催されたEX THEATRE ROPPONGIでの「ENDLESS SUMMER NUDE」の模様も収録している。

（参考：音楽における「サブカル」とは？　円堂都司昭が戦後カルチャー史から紐解く） 　小沢のヒット作『LIFE』の発売日である1994年8月31日から20年後の同日に放送された同番組は、スペースシャワーＴＶの開局25周年記念も兼ねて放送されたもの。監督には、小沢のMVやライブ映像を当時多く手掛けていた盟友・タケイグッドマンを迎え、『LIFE』ジャケット撮影時のオフショットや、MV撮影時の超極秘映像、94年当時にスペースシャワーTVにてオンエアされた「DISCO TO GO」のライブ映像をはじめとする未公開ライブ映像や未公開オフショットなどが収録されている。 　ほかにも、作品には小沢のレコーディングやライブに深く関わった東京スカパラダイスオーケストラのメンバーや、スチャダラパー、HICKSVILLE、服部隆之氏などのコメントに加え、小沢健二本人も声で出演。そうした番組で放送された内容に加え、さらに多くの未公開映像もあるという。（リアルサウンド編集部）

　同作には、メジャーデビューシングルの表題曲「きゅるきゅる」や、ライブで人気の「デートはやめよう」、来年1月17日公開の映画『ワンダフルワールドエンド』（監督：松居大悟 ）の主題歌「呪いは水色」、『TOKYO IDOL FESTIVAL 2014』にてミスiDのメンバーをコーラスに迎えて披露した「イミテーションガール」などを収録している。 　ジャケット写真は写真家・佐内正史を迎え、ニューヨークで撮り下ろし。普段とは違う大森靖子の表情に注目したい。 　同作は、2曲のVideo Clipとドキュメンタリー映像（約60分を予定）を収録した『洗脳［type★洗脳CD+DVD（モリステ特大号）］』と、10月3日に行ったキネマ倶楽部でのライブ映像を収録し、さらに佐内正史による豪華80Pフォトブックを付属した『洗脳［type■洗脳CD＋DVD（ピントカライブ）］』、そして通常盤という３形態での販売となる予定だ。 　また、この発表に合わせ、アルバム『洗脳』を携えた全国ツアー『爆裂！ナナちゃんとイくラブラブ洗脳ツアー』の開催も発表された。 ■リリース情報 『洗脳』 発売：2014年12月3日（水） 価格：［type★洗脳CD+DVD（モリステ特大号）］　￥3,800(本体価格)＋税 　　　［type■洗脳CD＋DVD（ピントカライブ）］￥4,800(本体価格)＋税 　　　［type▲洗脳CD］　￥2,800(本体価格)＋税 ＜CD収録内容＞ 01：絶対絶望絶好調 02：イミテーションガール 03：きゅるきゅる 04：ノスタルジックJ-pop 05：ナナちゃんの再生講座 06：子供じゃないもん１７ 07：呪いは水色 08：ロックンロールパラダイス 09：私は面白い絶対面白いたぶん 10：きすみぃきるみぃ 11：焼肉デート 12：デートはやめよう 13：おまけ♡〜スーパーフリーポップ〜 ＜DVD収録内容＞ ・［type★洗脳CD+DVD（モリステ特大号）］版 01．絶対絶望絶好調（Video Clip） 02．ノスタルジックJ-POP（Video Clip） 03．スタッフクソキノコによる大森靖子メジャーデビュードキュメンタリー 『一生無双モードって言ったじゃん！せいこはつらいよ'14』ver.（約60分収録予定） ・［type■洗脳CD＋DVD（ピントカライブ）］版 ※初回限定封入特典：写真家・佐内正史によるNY撮り下ろし豪華80Pフォトブック付！ （DVD）2014.10.3大森靖子＆THEピンクトカレフ『2日間で超楽しい地獄をつくる方法』 東京キネマ倶楽部ライブ映像ver.（約60分収録予定） ■CDショップ予約者先着特典 ※予約者先着 ・TOWER RECORDS（オリジナル特典） 特典：ALBUM未収録音源（1曲） ※特典がなくなり次第終了 ※TOWER RECORDS各店舗の他、オンラインショップも対象。 ・TSUTAYA RECORDS（オリジナル特典） 特典：オリジナルB2ポスターカレンダー ※特典がなくなり次第、終了 ※一部取り扱いがない可能性があります。 ※TSUTAYAオンラインショッピングは予約分のみ対象となります。 ★ヴレッジヴァンガード（オリジナル特典） 特典：オリジナルラバーリストバンド ※特典がなくなり次第終了。 ※AL「洗脳」取り扱い店舗は追って案内を追って案内。 ★ローソン・HMV（オリジナル特典） 特典：ジャケットサイズステッカー ※特典がなくなり次第、終了。 ※ローソンHMV各店舗の他、HMV ONLINEも対象 ■ライブ情報 『爆裂！ナナちゃんとイくラブラブ洗脳ツアー❤』 2015年3月8日(日)  ～ノスタルジック 松山 キティホール～ 2015年3月14日(土) ～ノスタルジック 広島 ヲルガン座～ 2015年3月15日(日) ～ノスタルジック 岡山café moyau～ 2015年3月27日(金) ～ノスタルジック 名古屋 CLUB QUATTRO～ 2015年3月29日(日) ～ノスタルジック 鳥取 三朝 ニューラッキー～ 2015年4月3日(金) ～ノスタルジック 札幌 コロニー～ 2015年4月4日(土) ～ノスタルジック 仙台 enn 2nd～ 2015年4月5日(日) ～ノスタルジック 秋田 ゴマシオキッチン～  2015年4月10日(金) ～ノスタルジック鹿児島 大津倉庫～  2015年4月11日(土) ～ノスタルジック 福岡 ROOMS～  2015年4月12日(日) ～ノスタルジック 大分 別府 永久劇場～   2015年4月16日(木) ～ノスタルジック 大阪 梅田 AKASO～ 2015年4月26日(日) ～ノスタルジック 中野サンプラザ～

（参考：乃木坂46のデビュー曲など提供　人気作曲家・黒須克彦が明かす「職業として曲を作ること」） 　同企画は、音楽機材やネット環境が充実した近年、急増している音楽作家志願者にスポットを当て、未来のミリオン作家を発掘する「音楽作家オーディション」の出張版。浜崎あゆみ「Daybreak（CREA＋D.A.Iとの共作）」や乃木坂46「やさしさなら間に合ってる」などを手掛けた松田純一と、AKB48「ポニーテールとシュシュ」や嵐「マイガール」の作曲で知られる多田慎也を講師に迎え、「ヒット曲の作曲論」をテーマに独自の音楽作家論を講義する予定だ。 　現在、番組ホームページでは、チケットの先行受付を10月28日の23:59まで実施している。（リアルサウンド編集部）

　同モデルは、ヴィンテージギターである「CF-100E』のデザインと、奥田のフェイバリットカラーが融合したギター。これまで」CF-100E」をアーティストモデルとしてリリースした例は過去にないため、ギブソン史上初の試みとなる。 ■製品概要 『Tamio Okuda CF-100E』 メーカー希望小売価格:493,000円（税別） 生産予定:2014年内150本予定（2015年以降の生産予定は2015年初に決定予定） 店頭販売開始日：2014年10月31日（金）から、全国の楽器小売店にて販売予定。

（参考：ハロプロはソフトレズ容認へ!?　掟ポルシェが語る「アイドルと恋愛」） 　この問題について、アイドルカルチャーに詳しいライター・物語評論家のさやわか氏は、アイドルが“夢を売る存在”としてビジネスモデルを形成しているとして、恋愛禁止のルールにも一定の理解を示す。 　「アイドルとはファンに“夢”を売るビジネスモデルであり、そこでは『恋愛禁止』が当然のように成り立っています。“夢を売っている＝虚構”とも言えるでしょう。そして、その虚構に入れ込んでいるファンからは、恋愛問題が現実として明るみに出たときに、いたずらに糾弾されてしまう。このようなことは本当はあってはいけないと思っているのですが、同時に“虚構”を商売としてやっている以上は、恋愛沙汰が明るみに出るーーファンの目に触れてしまうような行為は避けるべきであるとの見方もある。もちろん、特定の誰かに恋愛感情を持つことは人間である以上、どんなアイドルだってあると思うし、仕方ないことではありますが」 　メンバーの恋愛事情が明るみに出た場合、卒業や脱退といった“グループを抜ける”厳罰処分が望ましいという意見も多いが、さやわか氏は「厳罰にすることで、存続が危ぶまれるグループもある」と話す。 　「恋愛をしたら卒業・脱退というケースは今までにいくつもありましたが、厳格にルールを定めればいいかといえばそうではない。実際に厳しく取り締まったグループも存在しますし、そのゲーム性が面白いと捉える運営もいますが、そうすることでグループの存続が危ぶまれることもあるし、結果的に誰も幸福になっていない。厳格にしたお蔭でそのアイドルが売れるかといわれればそうではないですし、炎上商法に近いようなことになってしまっているのが現状です。『私たちは恋愛しません！』という触れ込みは、もはや“法だけ作って取り締まらず”という非常に日本的な考え方として捉えるのが健全な気はしますね」 　また、AKB48の登場により、責任の取り方についての世間の認識が変わったと分析し、シーンを持続させるためにはファン同士の支え合いも重要であるという。 　「近年では峯岸みなみが坊主頭にしたり、指原莉乃がHKT48に移籍したりと、ここ数年のAKB48が取った処置により、卒業や脱退をしないで何らかの形で“禊”をするという文化が定着しました。世間に対して“事の次第がどうなるか”ということを含めてのエンターテインメントとして成り立ってしまった感もあり、運営は日々落としどころを探っています。なので、アイドル側はある種の虚構を成り立たせていることを大前提にして、スキャンダラスな部分を絶対に見せないことをパフォーマンスの一部として提唱する。そして、ファンがそれを信じてあげることは、信頼関係を成り立たせる上で大事だと思います。それが万が一壊れたときには、その推移を楽しむのが健全なのかもしれません。といっても、『ガチ恋』の人にそうしろというのは難しいですし、近年はその層がビジネスを支えている印象も持っています。なので、箱推し・DD（誰でも大好き）の人がそこまで深刻な事態にならないように、ファン同士の助け合いが重要になるのではないでしょうか。今は女の子同士の人間関係を楽しんでいる層もかなり大きいですし、そうすることでファンコミュニティが上手く回って欲しいですね」 　最後に、同誌は週刊誌だけでなく、ファンの誰もがスクープ写真を撮影できる時代になったことで、より運営の手腕が問われるようになったとした。 「2000年代以降のアイドルは、ファンによる情報発信が良くも悪くも重要なものになっていて、それを取り払うことは難しくなってきています。運営側が『アイドルの私生活をファンが暴くことは許されない』という姿勢で臨むことは法律的にも間違っていませんが、ファンを利用しつつ、都合の悪いところは『私生活に干渉するな』と提示すると、ファン側の不満が溜まってくるのは当然です。だからこそ運営には、アイドルの私生活をうまくカモフラージュし、ファンに見せないように工夫する必要があり、一番手腕を問われる部分だと思います」 　グループ運営上、避けては通れない問題であり、最も難しいものとされる“恋愛問題”。ファンと運営の双方が納得できる落としどころを探る試みは続きそうだ。（松下博夫）

（参考：乃木坂46のアンダーライブに見えた希望の兆し　伊藤寧々卒業と研究生活動辞退に寄せて）

・「最初にPE'Zを始めた頃の曲を今演奏しても、やっぱり違うものになる」（航） ーー9月21日の人見記念講堂ライブは非常に盛り上がりましたが、あの音響環境の中で演奏する体験はいかがでしたか。 航：ACOUSTIC REVIVE（注：世界的にも評価の高い日本のハイエンドオーディオメーカー）のケーブルを使用して、演奏していても、いわゆるホールで感じるバランスの良い音とは少し違う、芯のある音でしたね。 ヒイズミマサユ機（以下：ヒイズミ）：ピアノは会場のものを使うので、行って弾いてみないとわからないところがありますけど、弾いていて気持ちの良いピアノでした。音楽というのは音と空間で完成されますから、とても有意義な体験だったと思います。 ーーあのホールならではの音の良さと、熱を帯びた新作の世界が両立しているところが、あのライブの肝だったように感じます。 ヒイズミ：女子大の中にある会場ということもあるのかもしれないけど（笑）、会場もステージも上品でした。上品とは言えない曲もあったので（笑）、そのあたりをどううまく伝えるか、ということが難しかったような気もします。その中で、上品でありながら野蛮さもあり、ラフでありながらかっちり決めることができたかなと。 航：『血騒-chisou-』を発売前に全曲公開ということで、初めてやる曲が多かったですけど、音が良いぶん緊張が解けて、良い具合に演奏できました。 ーー前回のインタビュー（参照：PE'Zが語る、葛藤と挑戦の15年史「もつれたからこそ、色んな方向が見えてきた」）では「メンバー全員でひとつのステージを作る、音源を作る、という感じになってきた」と仰っていて、それはライブでも実感出来ました。そうした変化はご自身でも感じましたか。 航：最初にPE'Zを始めた頃の曲を今演奏しても、やっぱり違うものになりますね。より早くなったり激しくなったり。長くやっていると、そのときはすごく激しいつもりでも5年後に聴くと「そうでもないな」と思うことがありますし、逆に「これももっとゆったりでもいいな」と感じるものもあります。 ヒイズミ：PE'Zはやっぱり、ライブハウスがホームグラウンドなんですよね。と言いつつ『血騒-chisou-』の全曲を初披露したのがホールというのも不思議な感じですけど（笑）、メンバー個々の熱も高かったですし、今のPE’Zの音になっていたのかなと思います。 ーーキャリアを重ねて、より渋い音を追求するようになる音楽家もいますが、15周年記念でこういうアグレッシブな作品が出たことも興味深いですね。 ヒイズミ：頑張って激しくしているというよりは、「基本的にこういう感じが好き」なので、これが我々のスタンダードなんだと思います。スタンス的には全身にタトゥー入ってる（笑）。それくらいして初めて「普通ですね」って思ってもらえる、激しさなんじゃないですかね（笑）。 ーー先日のライブでは少しムーディな部分も出していましたがーー。 ヒイズミ：ライブハウスの活動とは別にジャズクラブツアーもやっていて、そのときはスタンダードやバラードもやってますからね。それはそれで好きです。ただ、PE'Zでは普通にやっていてもどんどんテンポが早くなっちゃいます（笑）。 ーー人見記念講堂は時間帯もあってか、家族連れの姿も多かったですし、8月4日〜22日に行った『侍JAZZクリニック』の生徒さんたちも来ていたようですね。 ヒイズミ：クリニックの生徒さんから、終演後に手紙をもらいました。開けたら蝶みたいなのが飛び出してきて、やられたな、と（笑）。 航：クリニックの課題曲「Viva! A So Bole!」は、子どもたちと一緒に成長してきた曲で、この日も一緒に盛り上がることができました。 ・「ピアノの練習は好きとか嫌いではなく“習慣”になっていた」（ヒイズミ） ーー『侍JAZZクリニック』を通して子どもたちと向き合う中で、どんな発見がありましたか。 ヒイズミ：子どもは「楽しいということに敏感」だと感じました。それに、適応する能力の早さは凄いですね。ありきたりな言葉ですけど、無限の可能性を感じます。正直に言うと、自発性はもっと欲しいですが、そこをどうやって引っ張ってあげるか、というところが課題ですね。 ーー10月24日から開催される『侍JAZZキッズ～PE'ZとJAZZで学ぼう、遊ぼう、楽しもう！～秋冬教室〜』が音楽と出会うきっかけになる生徒さんもいると思うのですが、お二人が音楽と出会ったきっかけを教えてください。 航：僕は小学校4-5年生のときに、近所のお祭りで太鼓を叩く人の姿を見て、叩かせてもらってビビっときました。中学時代はブラスバンドをやっていたんですが、打楽器担当の人たちがみんなドラム小僧だったので、そこに加わって３年間、みんなでドラムの勉強をしていました。形式的にはブラスバンドでいろいろな打楽器をやるけれど、みんな裏でドラムの練習をしていました。わりとフュージョン系のものにも挑戦したりして、テクニカルな部分を早いうちから楽しんでましたね。 ヒイズミ：僕はあんまり覚えていないんですけど、気づいたら4歳くらいからピアノを習っていました。僕がビビっと来た瞬間は、近所のピアノ教室で、先生がピアノを弾いてみんなで歌を歌うときに、先生が弾きながら素早く譜めくりをしたときなんです。それを「すごいかっこいい！」って思って（笑）。そういう音楽と関係ないことがいろいろ記憶に残ってたりしますね。「レッスンが終わった後のジュース何にしようか」とか（笑）。練習は好きとか嫌いではなく“習慣”になっていて、あんまり考える暇もなくやっていました。「今日はうまく弾けなかった…けどジュース！」みたいな（笑）。毎日2時間弾くというのは高校時代まで継続していました。 ーー“習慣”でずっと続いていったのは、同時に音楽の面白さを感じていたからでしょうか。 ヒイズミ：根本的に女性的な性格だったのかもしれないです。みんなとも遊んではいましたけど、1人で遊ぶのが好きでした。 航：僕も、中学校で授業が終わったあと、周りがサッカーや野球の部活をやっている中で、テーブルを叩いてドラムの練習をしていました。他が全然気にならなくて。音楽がそれだけ好きだったんだと思います。周りと同じようにスポーツをやりたいとか全く思いませんでした。 ヒイズミ：中学に入ったときも、吹奏楽部にちょっと入りたいと思ったんですけど、みんなと違っててもいいや、って思って、レッスンに通い続けました。それがターニングポイントだったように思えますね。「みんな部活に入らなきゃいけない」みたいな、みんなと何かをするとかが嫌だったし、高校も地域の学校じゃなくて、遠くの音楽高校を1人で専願しました。仲良くない人たちとの団体行動は今でもちょっと苦手ですね。知っている人たちだけだったら何とか。 ーークリニックの秋冬教室は全10回で開催されますが、今度はどんな内容になりそうでしょうか。 ヒイズミ：来た生徒さんによって考えようかな、と思っています。「どこを伸ばすか」ということを一瞬で見極めなきゃいけないので、非常にプレッシャーですが。 ーー初めて楽器を触る、という人もいるでしょうけれど、特にドラムなどは、初めての子はなかなか難しいのではないでしょうか。 航：前回は日程が連続していたのですが、今回は1週間に1回なので、持ち帰って練習したりする時間もあります。なので、教える側としても、もう少し踏み込んだ講習にしたいと思っています。全てを教えることは無理かもしれませんけど、それが音楽を好きになる、楽器を好きになるきっかけになってくれればいいなと。 ヒイズミ：キーボード界、ピアノ界の変人としましては（笑）、やっぱり普通ではない感じでいきたいと思うんですけど、「来てよかったな」と思える時間を全力で作りたいと思います。 ・余裕はなくて、ずっと突っ走っているような感じ」（航） ――年末にはワンマンツアー『EN-MUSUBI2014～血騒（ちそう）っていう位だからそれはもう～』を開催されますが、やはりライブハウスということで、人見記念講堂でのライブとはまた違うものになりますか？ ヒイズミ：そうですね。「血が出る」感じで（笑）。今回のアルバムで、メンバーが共通して「これだな」っていう感覚を掴んだと思うんです。Ohyama "B.M.W" Wataruさんも「いいのができた」と言ってましたし、ニレハラさん（Nirehara Masahiro）も最近の発言には力強さを感じます（笑）。「血騒-chisou-」っていうタイトルになるくらいの激しさをどう料理してお披露目するか、年末が楽しみで仕方ないですね。 ーーPE'Zのようにリリースペースが早く、ライブも積極的に行うジャズ系のバンドはユニークな存在に思えますが、客観的に自分たちのあり方をどう捉えていますか。 航：そうですね…あんまり振り返っている余裕はなくて、ずっと突っ走っているような感じです。客観的に見て、ライブで熱く演奏できているうちは走り続けられると思います。 ーー今後も走り続けられそうですか？ 航：どうなんですかね（笑）。前回の人見講堂でさらにスピードが増した感じがします。毎年『EN−MUSUBI』で締めているので、今年もいつも通り走り切るつもりです。 ヒイズミ：客観的に見るのは難しいですけど、個人的に“特殊”というものが大好きなので、特殊であることは嬉しいし、それでこそやっている意味があると思います。ずっと特殊でいたいですね。ふと我に返ったときにしんどくなるかもしれませんが（笑）。 ーー確かにPE'Zの音楽はカテゴライズするのは難しいですね。「ジャズをベースにした新しい音楽」という認識でしょうか。 ヒイズミ：ジャズに限ってはいなくて、ひとつにまとめるとしたら「自分の好きなもの」をグチャッとミックスしたものがこうなっている、という感じです。その中のひとつにジャズもある、ということだと思います。特にジャズに近づけよう、とはしていませんね。 航：僕は、PE'Zを始めた頃は特にジャズが好きというわけじゃなくて、むしろ僕が入ることによってジャズ色が薄まる感じで、それが良かったんだと思います。PE’Zではそのあたりを意識していて、ジャズを弾くからといって、ジャズっぽく演奏しようとは思っていません。もちろん、いわゆるジャズドラマーの演奏を聴くのは好きで、学ぶこともすごくあるんですけどね。 ーーちなみに『EN-MUSUBI2014～血騒（ちそう）っていう位だからそれはもう～』ツアーのポスターがおむすびですが、何か意図はありますか？ 航：シャレです（笑）。海苔が巻いてないと「おむすび」とは言わなくて「おにぎり」になるらしいんですけど、そこまではこだわりきれなかった（笑）。それにちなんだプレゼントも用意しています。 （取材＝神谷弘一）

（参考：「渋谷系」とは日本版アシッドジャズだった!?　若杉実の労作が提示する“DJ文化”という視点） ――そもそも“サブカルチャー”あるいは“サブカル”とは、どのような背景で出てきた言葉なのでしょうか。 「1960年代には先進諸国で学生運動が盛んになり、ベトナム戦争に対する反戦運動もあって、この時期にフォークやロックが若年層に広く聴かれるようになりました。この時代の反体制的で反抗的な、社会に対して異議申し立てをするような若者文化を指す言葉に“カウンターカルチャー（対抗文化）”がありました。学生運動は70年代になると退潮しましたが、若者が消費者として目立つ時代にはなりました。それは“カウンターカルチャー”の“カウンター”の部分、反抗や抵抗の部分が抜け落ちた状態であり、でも主流とはいえない。そのような文化を日本では“サブカルチャー”と呼ぶようになったという印象を、個人的には持っています」 ――“サブカルチャー”と“サブカル”という２つの言葉が、それぞれ別の意味合いを持って使われているように見えます。 「“カウンターカルチャー”には左翼的な反体制のニュアンスがありますし、それとほぼ同じ意味で“サブカルチャー”を使う人もいます。一方、そのような政治性を欠いた、もっとカジュアル化したものを“サブカル”の略称で呼ぶ人もいる。“サブカル”はオタク側からの蔑称だという意見もある。言葉の使われかたが、人によってズレています」 ――発信する側に“カウンターカルチャーになろう”“サブカルチャーになろう”という自覚はあったのでしょうか。 「反戦姿勢を打ち出した音楽家などには、“社会に対し異議申し立てをする”という自意識があったでしょう。そういう人たちが“カウンターカルチャー”と呼ばれた。それだけではなく、本人は異議申し立ての意識はないけれど、第三者から批評的に“これはカウンターだ”といわれる状態もありました。例えば、70年前後の東映ヤクザ映画や、演歌の藤圭子などは“はぐれ者”つまり“社会からあぶれた私”をテーマにしていたため、学生運動をやっていた層から共感を得た。演者自身は特にそう思っていなくても、他から“カウンターだ”と認定されたのです。海外では、例えばローリング・ストーンズなどが黒人のブルースに憧れていた。社会に抑圧される立場の黒人のブルースをベースにして、社会に反抗する若いバンドがロックンロールを演奏したという図式です。第三者からの批評的な視線ではそうみえる。とはいえ、必ずしもブルースマンが自分を“カウンターカルチャー”の人間だと考えていたわけではないでしょう」 ――先日、音楽美学者の増田聡氏はTwitterで「subcultureと日本語のサブカルは違う概念だけど混同する人が現代日本では多い」と指摘しています。“subculture”と“サブカル”の違いは何でしょうか。 「先ほどから語ってきたのは、日本的な解釈としての“サブカルチャー”ですが、海外では“下位文化”という意味合いを持っています。人種や民族、地域、所得レベル、性意識、行動スタイルなどの異なる集団が、“主流文化”とは別にそれぞれの文化や趣味を形成する。これが“subculture”ですが、日本の場合、差別などは実際にあったけれど、高度経済成長を達成した70年代はじめから、格差社会が問題になるゼロ年代に入るまで長いこと、わりと均質な社会だと思われてきた。だから、海外とは違って、民族や階層の差であるよりは、消費における趣味の差として“サブカル”がとらえられてきたところがあります」 ――70年代以降はどう変わりましたか。 「60年代には新興勢力だったロックなども、70年代以降にジャンルが確立されると、ある種の権威を帯びてきました。自作自演のロックは本当の音楽だけれど、歌謡曲やアイドルはただの商業だと見下すような考えかたですね。そうなると、逆にロック的な意識を批判して、アイドル歌手を肯定する批評も現われ始めた。それまでの価値観からは馬鹿にされがちなアイドルを持ちあげて、価値観を逆転することに楽しみを見出す。こうした批評性を“サブカルチャー”ととらえる人もいました。アイドル自体は一般的な芸能だけれど、アイドル批評は“サブカルチャー”。ジャンルとしてのサブカルチャーと、批評的な態度としての“サブカルチャー”の両方があるわけです」 ――“オタクカルチャー”と“サブカルチャー”の関係は？ 「60年代以前には、マンガは子供が読むものという一般常識がありました。でも、60年代後半には手塚治虫などを標準とした丸みを帯びたマンガだけでなく、劇画タッチの作品が少年マンガ誌に載る状況があったし、子どもではない青年がマンガ雑誌を読むことも珍しくなくなりました。マンガは、フォークやロックと並ぶ“カウンターカルチャー”、“サブカルチャー”だったんです。 　70年代には橋本治が少女マンガ論を発表したほか、男が少女マンガを文学のように読む現象があった。アイドル批評にも似た“サブカル”的態度ですね。75年に始まったコミックマーケットでは、商業マンガのパロディを載せた同人誌が売られましたが、価値観をズラすという意味では“サブカル”的だったし、初期には今でいう“オタク”的感覚と“サブカル”は混ざりあっていたと思います。 　でも、80年代になると、青年だからリアリスティックな劇画を読むというのではなく、アニメ的な美少女の絵柄などがマンガ好きの間で一般的なものになる。マンガやアニメに対し、後に“萌え”と呼ばれるような非批評的な楽しみかたが広まった。この時代が、“オタクカルチャー”形成の分水嶺だったのでしょう」 ――その分水嶺以降、つまり80年代以降はコミュニティが細分化されていった印象を受けます。 「80年代の消費の爛熟をめぐって“差異化ゲーム”という言葉がありました。生活必需品はもう普及しているから、商品の機能性ではなく、ちょっとしたイメージの違いで売る。簡単にいうと“私とあなたは違う”という価値観で消費を行うのです。例えば、当時は、ロックよりアイドルのほうが偉いとする価値観は、“価値観をひっくり返す”、“既存の価値観を相対化して価値づけを変える”ものでした。そうした考えが広がれば、“みんなが認める”高い価値を持つものは無くなります。90年代以降は“島宇宙化”という表現も使われました。それぞれの趣味に応じた小さなコミュニティ＝“島宇宙”が作られ、自分の価値観に閉じこもる状況が生まれた。今もそうした状況は続いているし、ネット上でその価値観のコミュニティに帰属しやすい一方、隣のコミュニティが見えやすくなり、摩擦が起きやすくなりました」 ――音楽に話を絞ると、90年代には“渋谷系”ムーブメントも訪れますが、あれは“サブカルチャー”とみなすべきでしょうか。 「90年代はじめに“オタク”は流行語になり、その後、普通の言葉になっていきましたが、最初は、どんなジャンルのコレクター、マニアも“オタク”と呼んでいました。だから、過去の多くの音楽を参照し、コレクター気質のある渋谷系も“オタク”と形容されたことがありましたが、今ではあまりいわないでしょう。マンガ、アニメ、ゲームなど“オタク”は二次元中心というイメージが広まりましたから。 　一方、音楽ジャンルを相対的に見て、様々な要素を批評的にピックアップし、組みあわせ、従来とは違う価値を与えるのは“サブカル”的ですよね。その意味で、渋谷系は“サブカル”的だった。でも、様々な要素をDJ的に組みあわせる手法が“サブカル”だとしたら、ヒップホップはなに？　という話になります。音はそんな風に作られていても、そこでラップしている人は、マッチョ的だったりヤンキー的だったり、例外はあるにしても“サブカル”的でないほうが多い。“サブカル”かどうかは、クリエイターやアーティストの自意識、ジャンル、手法、批評など、いろいろなアングルで定義づけできるから、どこにポイントをおくかで互いの話がすれ違ってしまう」 ――“サブカル”の手法についてですが、サンプリング的なもの以外にもあれば教えてください。 「すぐに思い浮かぶのは、パロディ、冗談ですかね。わかりやすいのは、実在のコメディアンをネタにした筋肉少女帯の『高木ブー伝説』とか。このバンドや、電気グルーヴの前身バンドにあたる人生が在籍した80年代のナゴムレコードというレーベルには、“サブカル”的な笑いがありました。最近だとアーバンギャルドなどは、その影響を受け継いだバンドです」 ――音楽カルチャー内での“サブカル”の定義は難しいですね。ハッキリとした線引きのようなものは存在するのでしょうか。 「線引きはできないですけれど、いっておきたいのは流通の問題です。60～70年代の“アングラ・フォーク”というジャンルには、会員制でレコードを通信販売する文化がありました。つまり、既存のカルチャーではないカルチャーを打ち出そうとした場合、既存の流通とはべつのルートを作ろうという発想が出てくる。そうした発想も含めて“サブカル”と定義できるのではないでしょうか。マンガに関しては、書店販売とはべつにコミケという場が作られた。先に触れたナゴムは、80年代のインディーズ・ロック・ブームにおける代表的なレーベルでした。70年代にニューヨークやロンドンで起こったパンク・ムーヴメントは、日本に“Do It Yourself”の考えかたを伝えた。アメリカでは90年代前半にオルタナティブ・ロックの隆盛がありましたが、オルタナティヴには“もう一つの選択”という意味があったし、インディーズ主義の傾向があった。日本の音楽の自主制作、自主流通にも、海外のパンクやオルタナの影響はありました」 ――ゼロ年代以降、インターネットの登場でどう変わったのでしょう。 「CD売り上げのピークは1997年～1998年。それ以降はインターネットが普及し、DTMも容易になって一般化していきました。また、YoutubeやSpotifyなど、音楽を支えるインフラが整ってきた。日本では、ニコニコ動画という音楽の発表場所ができたことが大きかった。ネットは、先に話した“べつの流通”、“もう一つの選択”として力を強め、趣味の分散はさらに進んでいます。 　もともと日本には、西洋における芸術みたいな、カッチリとした文化的体系がありません。とはいえ、90年代までは紅白歌合戦、レコード大賞、オリコンチャートなどが、これがメジャーであると、権威づけを行う指標になっていました。60年代には公共放送であるNHKの紅白歌合戦には、長髪の不良っぽいグループサウンズは出さないという方針がみられました。そういった権威づけが無くなり、指標が弱体化したわけですから、“サブカルチャー”と“メインカルチャー”の区別は消失したようなものだし、だからこそ“サブカルチャー”の境界線も見えにくくなった。しかし、人はそれぞれの価値観を持っていて、他の価値観に違和感を覚えたり、ツッコミを入れたがるような気質はなくならない。だから、手法や批評としての“サブカルチャー”は常に語り続けられる……という状況ではないでしょうか」 　ゼロ年代を経由したことにより、意味内容が大きく変動している『サブカルチャー』あるいは『サブカル』という単語。議論の出発点として、その歴史的変遷を知るのは一定の意味があるのではないだろうか。（松下博夫）

（参考：武藤彩未はアイドルシーンの見取り図を変える？　18歳バースデイライヴで見せた「大器」の片鱗） 　今回の新アーティスト写真は、レディ・ガガ、ビヨンセをはじめ、ファッションや広告、そして多くのアーティストのポートレートを手がけてきた世界的フォトグラファー、レスリー・キー氏により撮影されたもの。ヴィンテージ感溢れるデニムジャケットに身を包み、大人びた表情を見せている。 　ライブDVD2作は、前編として、11月26日に『A.Y.M Live Collection 2014～変化～』をリリース。同作には、18歳のバースデーライブであり、メジャーデビュー後初のワンマンとなった4月29日のデビュー公演に加え、特典映像として、幕張メッセで6000人の前でライブを行った『KAWAii NiPPON EXPO 2014』の模様も収録される。 　12月17日にリリースする、後編の『A.Y.M Live Collection 2014～進化～』では、6月10日に行われた、チェロ・ピアノ・パーカッションによるアコースティック編成での初の生演奏ライブ『A.Y.M Ballads』と、ドラム・キーボードと共にパフォーマンスを行ったサマートライアルライブ『20262701』の最終公演が収録されるという。 　また、2014年の締めくくりとして、12月27日に赤坂BLITZでワンマンを行うことも同時に発表。昨年末にソロデビューを発表した赤坂BLITZを舞台に、一年の集大成が披露される予定だ。さらに、2015年1月には2ndアルバムをリリースすることも明かされた。今後の活動に関する詳細はオフィシャルＨＰで随時発表される。（リアルサウンド編集部）

（参考：山口百恵の曲はなぜ“ツンデレ”？　亀田誠治×槇原敬之が名曲「プレイバック」を分析） 　この番組は亀田が校長、中村慶子アナウンサーが助手を務め、毎回様々なアーティストがゲスト講師として出演する音楽教養番組。第１回のテーマは「J-POP　ギター学〜主役編〜」で、ゲストには布袋寅泰が出演した。 ・『イントロ』で活躍するギター 　冒頭、亀田は「J-POPの主役はギターだ」として「主役の一番の活躍しどころは『イントロ』」と語り、小田和正「ラブストーリーは突然に」やMr.Children「innocent world」、AKB48「ヘビーローテーション」を例に挙げた。布袋はこれらの楽曲で流れるギターについて「イントロ当てクイズみたいに、流れた瞬間に『あ、このアーティストだ』って興奮や笑顔が目に浮かぶよう」と、イントロのギターが楽曲に記名性を与えることを指摘した。 　その後、亀田はBOOWYの「MARIONETTE」を例に挙げ「イントロから歌いだしたくなる。実はこれ、サビのメロディーがイントロのモチーフなんですよ」と説明。布袋はこれに対し「この曲はこのフレーズから作った。アパートで何か面白いフレーズ、テクニックじゃなくてトリッキーなものはないかと探していた」と制作当時を振り返った。亀田はサビと同じフレーズでイントロが鳴っていることについて「ギターがこのイントロを取る事によって、これがバンドサウンドなんだという決意表明と思える。ショートケーキで言うところのイチゴ。人によっては最後まで取っておいちゃうような（笑）」と分かりやすい注釈を加え、生徒たちを納得させた。 ・エレキギターとピアノ、最大の違いは「伸び」 　続いて、エレキギターとピアノという、それぞれ楽曲のメロディを支える２つの楽器の違いについて説明。亀田は「MARIONETTE」はピアノで弾くとバロック調の悲しい音楽に聴こえるということを例に挙げたあと、布袋の「バンビーナ」を紹介し「メロディーを取らずして、コードストロークだけでイントロの印象ーー曲の全責任を担っている。これは鍵盤だと奏法的に無理があって、ギターのアップダウンが効くことで速いフレーズ、スピード感が生まれる」と解説した。 　また、J-POP楽曲におけるエレキギターとピアノの大きな差として、My Little Lover「Hello, Again 〜昔からある場所〜」、YUI「CHE.R.RY」を例に挙げ、「音の伸び」が違うと説明。機械的に音量を保つことができるエレキギターに対し、ピアノの音は自然減衰（だんだん音が小さくなる）するため、ここに大きな違いが生まれると解説。亀田は「アコースティックギターがあって、ストリングスがあってというJ-POP的なサウンドの中でも、エレキギターの力は他の楽器に負けずにフレーズを主張することができる」と語った。 ・間奏のギターソロは“大サビへ導くジャンプ台” 　後半では、“間奏”もまたギターの見せ場であるというお題に。 　亀田は、J-POPの基本構造として「イントロ→Aメロ→Bメロ→サビ→間奏→大サビがある」と解説し、「イントロではギターが主役を取るが、Aメロ〜サビでは主役を歌に譲る。でも間奏ではギターが主役にならざるを得ない」と、その役割分担について語った。また、「間奏のギターは起承転結でいうところの転になってもいいし、承になってもいい。ボーカルが作ってきた世界を受けてもいいし、変えちゃってもいい」と、間奏のギターが“大サビへ導くジャンプ台”になり、ギタリストが指揮者として楽曲を終盤へ導いて行くことを説明した。 　布袋はこれに対し「これが基本構造なら、予定調和にならないように変化をもたらして、今までの曲とは全然違う方向に転換する。次のサビなり戻った場所が自然に聴こえるチャレンジングな場所」と、独自の解釈でギターソロ論を語る。亀田は「苦言を呈す訳ではないですが、何となくギターソロが入っている曲をたまに聴くけど、使い方としてもったいない。主役の良さを引き出して、楽曲全体を際立たせて行こうという気概で作って欲しい」と、近年のバンドマンに向けたアドバイスをした。 　ライブのコーナーでは、布袋の代表曲であり、映画『キル・ビル』のテーマとして世界中に知れ渡っている「BATTLE WITHOUT HONOR OR HUMANITY」を、亀田を含めたバンドセッションで披露。布袋によると同曲は「津軽三味線のようなフレーズや、弾かない間もギターを感じることができる和的なリズム」で、その“日本らしさ”を意識した演奏となった。 　番組の最後には、布袋が近年のギターフレーズの傾向について「主役になろうとするギターフレーズが減ってきている。いきなり『俺だぜ！』っていうフレーズは、J-POPが総合芸術になっているなかでギターが見え辛くなっている。『ギタリスト諸君、もうちょっと頑張ってよ』と思うし、時代は主役を待っているんじゃないかな」と、若手ギタリストに奮起を促した。亀田は「時に口ずさめるメロディはボーカルのような表現力をもっている。だからこそ、メロディやサビを大事にしているJ-POPの中で、大事に使い続けられていく楽器なんじゃないかと感じた授業でした」と締め、番組は終了した。 　そのほか、亀田が音楽にまつわる場所を探訪する「亀さんぽ」というコーナーもあった今回の放送。次回10月9日の放送では「J-POP　ギター学〜名脇役編〜」を講義する予定だ。（向原康太）

　そしてtofubeatsは今回、10月2日（トーフの日）に1stフルアルバム『First Album』をリリースした。PES（RIP SLYME）やBONNIE PINKをはじめとする豪華ゲスト陣を迎えた今作は、楽曲構成についてはインディーズ時代のままに、ビートはより強固に、ウワモノはよりポップに仕上がっている。今回、リアルサウンドではtofubeatsへ前後編に渡るインタビューを実施。前編では『First Album』制作の舞台裏や、今作での新たな挑戦について話を訊いた。 ・「Sound Cloudの音源と聴き比べて、メジャー感が出てるなーと（笑）」 ――『First Album』は、ゲストボーカルを迎えた歌モノとトラックオンリーの楽曲とのバランスにおいて、インディーズ時代のフルアルバム『lost decade』に近い面もありつつ、ゲストボーカルの人選や音の迫力によって、さらにポップなものに仕上がっていますね。 tofubeats：メジャーに行った分、シングルが豪華になるので、それに対してバランスを取るための曲を作っているという手法は以前と変わりません。ただ、自分でマスタリングしていた『lost decade』とは違って、今回はマスタリングを他人に任せているので、自分でアップロードしたSound Cloudの音源と聴き比べて「メジャー感が出てるなー」と思います（笑）。ちなみに配信シングル「Come On Honey! feat. 新井ひとみ(東京女子流)」のマスタリングは自分で、基本的にパッケージにならない細かい仕事…Webで上がっているものはだいたい自分で完結させてます。 ――2曲目「#eyezonyou」では、tofubeats流の自己紹介ラップを披露されています。 tofubeats：これは、アルバム頭の曲でレペゼンするというヒップホップに対するパロディでもあり、「僕がヒップホップを本気でやってたらこうなった」という曲です。頭にこの曲を持ってきたのは、コラボアルバムと思われないためにも良いかなと思って。 ――なるほど。コラボ主体のアルバムに見せないように攻めのトラックを作りつつも、EP2枚（『Don't Stop The Music』『ディスコの神様』）の、森高千里さん、藤井隆さん、の子（神聖かまってちゃん）さんに加え、アルバムではlyrical school さん、PES（RIP SLYME）さん、LIZさん、新井ひとみ（東京女子流）さん、BONNIE PINKさんといった豪華なゲストボーカルを揃えましたね。 tofubeats：lyrical schoolに関しては、彼女たちの楽曲制作を手掛けている縁もありますし、どちらかというとお世話になっている部分が多くて。だから少しだけでも参加してもらいたかったんです。「poolside feat. PES(RIP SLYME)」は、杏里さんの「プライベートSold out」をサンプリングした状態で2年前からあったんですが、絶対日の目を見ないだろうと思ってました。でも、ワーナーの担当者が「これ、PESさんを呼んで作り直すのはどうか？」と提案してくれ、その結果、杏里さん側のクリアランスも取れ、参加していただくことになりました。 　新井ひとみ（東京女子流）さんは、過去にdancinthruthenights名義の『マジ勉NOW! feat.新井ひとみ』でご一緒していて。もう一回この面子を揃えたらMVは自分の範疇で撮れると思ったのと、前回はavexさんからお話を頂いたので今度はこっち側仕切りでもう一回やりたいと思ってオファーしました。LIZは『BBC Radio 1Xtra - Diplo and Friends』もそうですけど、Mad Decentとある程度繋がったところで「tofubeatsと一緒にやってもいいよ」と言ってくれるアーティストが何人かいて。その中から今回はLIZと組むことになりました。今後もMad Decent周りのアーティストとは何かできればと思ってますね。 ――「衣替え feat. BONNIE PINK」は、同曲のtofubeatsさんが歌唱したバージョンが先に『ディスコの神様』のカップリングに収録されていました。なぜこのタイミングでBONNIE PINKさん歌唱バージョンに変わったのでしょうか。 tofubeats：実は、この曲って最初からBONNIE PINKさんに歌っていただきたくて作った曲なんです。本来、『ディスコの神様』には「衣替え」ではない、とある曲のカバーが入る予定だったんですけど、申請の問題がギリギリまで行ってしまって。最終的にマスタリングの少し前に「入れることが不可能だ」という判断になり、先に出来ていた「衣替え」のデモバージョンを入れることになったんです。そして今回、アルバムのタイミングでオファーしたところ、快諾していただいて。BONNIE PINKさんはワーナーミュージックに所属しているアーティストの中で正直一番好きなミュージシャンなので、コラボレーション出来て嬉しかったですね。 ――「CAND¥¥¥LAND feat. LIZ」では、Mad Decentの看板娘であるLIZを迎えたことも衝撃ですが、そんな彼女にパラパラを歌わせていて驚きました。この曲については「パラパラを作る方法をやっと習得」したということで。 tofubeats：仕事でEDMっぽい楽曲を作ることがなくて、このトラックを作れるようになるまで苦労しました。EDMに興味がないから、そういう音色とかを集めてなくて…。やつい（いちろう）さんに提供した「そりゃそうよ」というおもしろEDMみたいなのがあるんですが、あれをやるためだけにMassive（ベースやリードなどに向いた分厚いサウンドのソフトシンセ）を初めて買って「バカみたいな音ばっか出んなー」と思ってました。そんなこんなで素材が集まって、レイヤーの感じがわかるようになってきて、初めて人前に出せるパラパラができたなと。パラパラとトリルが合うってアイデアはずっとあったので、着想から2年間、誰かがやるんじゃないかって気が気じゃなかったです。 ・「人が増えれば増えるほど、“tofubeats”を制御するのが難しくなってくる」 ――アルバム最後のトラックである「20140803」は、Sonud Cloudに上がっていたデモバージョンに歌詞を加え、フェードアウトする形になっています。 tofubeats：この曲は、アルバムが制作終盤でどうしようもないけど「とりあえずサンプリングで曲作るか」って息抜きにデモを作ったら上手くいったもので…その後、打ち込みし直して収録しました。あとは、『lost decade』の最後に入っている「LOST DECADE Feat. 南波志帆」みたいな、嬉しい曲に悲しいことを合わせることが美しいと思っていて。あの曲は杏里さんの「愛は誰のものでもなく」っていうシャッフルビートの失恋ソングが元ネタなんですけど、曲調は悲しく聴こえなくて、リプライズ、カーテンコール的な作りが好きで。「衣替え feat. BONNIE PINK」でアルバムを終わるなんてことは絶対したくなかったし、「ありがとうございましたー！」ってみんなで言う時間が欲しくて、アウトロは徐々にフェードアウトしていく形になった。 ――最後のワンフレーズである「君が好きな音楽で／てゆか毎日　音楽で」は、雑誌『WIRED』のコラムにある「日々を良くするために音楽をやろう」と連動しているように感じさせられました。 tofubeats：実は、それに加えてアルバムの最後には、僕が書いた手書き風のメッセージが入っているんです。そのメッセージは「we have to make it better day by day looks make music」っていう一文で締めていて、「20140803」や『WIRED』の原稿と関連付けるようにしてあるんです。 ――さらに奥があったんですね。 tofubeats：そう。だからCDを買って、ブックレットを読んで、最後の1ページを見ると、そこを補完できるんです。 ――フィジカルで最後を補完できるというのは、面白いですね。 tofubeats：この文章が先にある形で、『WIRED』の原稿があって…我ながらキレイだなーって思いますね（笑）。でもCDにブックレットを入れるというのは、宇多田ヒカルさんの『First Love』のオマージュなんです。このアルバムの『パーソナルな部分を突き詰めたものが日本で一番売れた』というのは、自分がパーソナルなことを目指してやるうえで、ずっと希望になっている。“みんなに向けて曲を書かなくていいんだ”っていう回答に思えて。一点に向かっていった先には全体があるというか、精神は細部に宿るという感じですかね。 ――宇多田さん以外にもいくつか影響を受けたアーティストを挙げるとすれば誰なんでしょうか。 tofubeats：他には、杏里さんとか、角松敏生さんとか…。でも、ブックオフで売ってるアルバムで一番オススメを教えてと言われたら宇多田ヒカルさんの『First Love』か中澤真由さんの『STEP INTO MY HEART』を選びますね。中澤さんのこの作品は本当に名盤だと思っていて、良い意味でうだつの上がらないポップス～R&Bの、決して100点満点のアルバムだとは思わないんですけど、逆に隙があるところ含めて100点なんですよね。ただ、これを各所でオススメするもんだから、amazonでの価格が徐々に上がってて（笑）。 ――ほかにも、『WIRED』の記事には、メジャーアーティスト故のメリットとデメリットも書いてありました。 tofubeats：得しているなって思うのは、今、まさにプロモーション段階ですね。自分で金銭的なリスクを背負わないし、在庫を抱えなくていい。あとはフルストリーミング試聴だったり、ゲストボーカルの提案や実現に向けての動きなどを見てると、メジャーなのに自由にやらせてもらってるなって思います。それに対して、損という部分では、人が増えれば増えるほど、作品…つまり“tofubeats”を制御するのが難しくなってくる。でも、一番はタイムラグに尽きると思います。慌ただしくしていると「すぐリリースされた」って思うんですけど、「20140809 with lyrical school」や「20140803」みたいに、日付を曲名に入れとくのってそういう理由があって。8月に作った曲が10月に出るって、メジャーのなかでは詰めて頂いている方なんですけど、それでもやっぱりなんかちょっと遠いと思うこともあったりしますね。 ――Sound Cloudにアップして、リスナーの反応を見ながら洗練させていけるインディーズ時代と比べてしまうんですね。 tofubeats：まあ、その期間がないとMVが撮影できないというのもわかっていますし、大きいコラボとかプロジェクトを動かせるのに対し、個人として動ける範囲が以前より限られてくるのもきちんと理解しています。以前がCDを作って納品するところまでやっていたので、操作し過ぎてただけなのかもしれないですが（笑）。 ・「今は色んな童貞を捨ててる時期なんです」 ――今作の「おしえて検索 feat. の子(神聖かまってちゃん)」でもコラボされているの子さん（神聖かまってちゃん）に先日インタビューをした際、「（tofubeatsくんからの）影響は大きいですよ、DTM始めたのもそうですし、『俺は負けてんな』って」とtofubeatsさんについて発言していました。（参照：神聖かまってちゃん・の子が音楽を作り続ける理由「すごく負けず嫌いで、飢餓感もかなりある」） tofubeats：あ、見ました。頻繁に名前が出ていてビックリしました。 ――お二人はインターネットを駆使して自分の音楽を届けるところからメジャーのフィールドまで上がってきましたが、世代もやり方も違いますよね。逆にtofubeatsさんから見たの子さんはどう映るのでしょう？ tofubeats：これに関しては、の子さんが僕に言った言葉がすごく印象的で。「もう5年間始めるのが遅かったらDTMから入ってた」って。インターネットに出会ったのは同時期だと思うんですけど、最初にギターを持ってしまったが故の違いというか。僕は最初にベースを持ったんですけど、すぐ捨てたんで（笑）。だから僕もDTMを選択しなければ、の子さんのようになっていたかもしれません。先日の『YANO MUSIC FESTIVAL 2014』で人生初のバンド演奏を行ったくらいですから。 ――バンド演奏を体感された感想、是非お伺いしたいです。 tofubeats：それまでは人とアンサンブルすることなんてなかったんですけど、最高でしたね。「バンドっていいな」って思いました。全員がトップクラスのアーティストだし、打ち込みも鳴らしてくれて同期もバッチリだったし、バンドマスターが矢野（博康）さんだし、僕はもうカラオケするだけでしたから（笑）。 ――そんな中、今回の作品では「20140803」でtofubeatsさん自身がギターを弾いています。 tofubeats：買って半年経って初めて使いましたね。下の３弦・２小節だけですけど、弾いてみて「ウワァー！　これが楽器か！」って高揚感がありました。あとは『YANO MUSIC FESTIVAL 2014』で「LOST DECADE Feat. 南波志帆」をEWI（ウインドシンセサイザー・電気笛）で演奏したり、初めて人前で生歌を５小節だけ歌ったりと、今は色んな童貞を捨ててる時期なんです（笑）。 ――これは今後の音源にも大きく影響してきそうですね。 tofubeats：今回のアルバムでも、「poolside feat. PES(RIP SLYME)」のイントロでは僕がEWIを吹いていますし、の子さんの打ち込みと同じく、そこまでガッツリやるわけではないですが出番は増えるかもしれませんね。今は長いスパンで習得できていけばいいと思っていて、ずっと「Just the Two of Us」を練習してます。（後編へ続く）（取材・文＝中村拓海）

（参考：アイドルファンと声優ファンはなぜ衝突？　溝を埋めるカギはあるのか） 　相変わらず強い竹内まりや『TRAD』以外、ほとんどが初登場となった今週。フレッシュな顔ぶれ、と書くのは少し違うし、それぞれキャリアが長く、熱心なファンを持つアーティストたちだが、かといって、ファン以外から見れば「え、これがチャート10位圏内に入っちゃう？」というか、もっと言えば「誰それ？　ほんとに売れてんの？」と思われているのかもしれない。ちなみにセールスは僅差で、10位から2位までが10,000～25,000枚の数字にとどまる。ほんの数百人、数千人という買い手の差が今週の10枚を決めたわけだ。 　まず気になるのは、3位のGRANRODEO（グランロデオ）。『カルマとラビリンス』というタイトル、ジャケットも含めて完全なるＶ系バンドを想像するが、これは声優として活躍中のKISHOWこと谷山紀彰、そして声優アーティストの楽曲を手がけてきたe-ZUKAこと飯塚昌明のユニットだ。活動歴は長いから片手間では当然ないし、今やさいたまスーパーアリーナや大阪城ホールの単独ライブが簡単に埋まると書けば、人気のほどは理解できるだろう。 　アニメタルを例に出すまでもなく、アニソン／声優界とハードロック／メタル界は昔から親和性が高かったが、Gacktに肉薄する世界観でヒーローになりきるKISHOWには「遊び」や「フリ」がまったくない。ロンブー淳のjealkbやマキタスポーツのFly of Dieがそうであるように、まったく違う畑の人間をも本気にさせる様式美というものがＶ系には確かにある。あるいは、Ｖ系の様式美さえ守れば出自は何でもよろしい、という許容量がシーンにあるとも言える。GRANRODEOの購買層は、おそらくアニメファンとまったくイコールではないだろう。完璧なる安定を誇るロックンロール・バンド、クロマニヨンズを抑えての初登場3位も、当然なのかもしれない。 　洋楽が強いのも今週の特徴。トニー・ベネット＆レディー・ガガは話題のコラボであるが、見た目もすっかりお爺さんになってきたMr.BIGの新作が６位、エイフェックス・ツインによる13年ぶりの話題作が8位というのも、それぞれファンの「これだけは発売日に押さえとくでしょ！」という情熱を感じさせる。竹内まりやファンの多くは、たぶんリチャード・Ｄ・ジェイムスの名前を知らず、Mr.BIGがメンバーの闘病を超えて本作を完成させた話にも興味がないと思う。でも、ほんの数千〜数百人の買い手の差によって、これらのアーティスト名がひとつの遡上に載せられるというのは、やっぱチャートの面白さだなぁ。（石井恵梨子）

（参考：E-girlsはSPEEDを超えるか　アイドル×ヒップホップダンスの可能性） 　同グループは、メジャーデビュー前からダンス・キッズ向けのストリート・ファッション雑誌『DANCE STYLE KIDS』のモデルとして活躍し、「ポケモンゲット☆TV」や「おはスタ」でレギュラーを務めたことで、小学生の頃から同世代の女子からは高い支持を獲得していた。また、『JAPAN EXPO』に史上最年少ゲストとして出演したり、史上最年少でLINE公式アカウントを取得、メジャーデビューシングル『Beasty Girls／Let the music flow』がトリプルタイアップに起用されるなど、話題性だけではなく各方面からの評価も高い。 　アイドルシーンが盛り上がりを見せている昨今において、彼女たちはあくまで“ダンス・ボーカル・モデル・グループ”として活動を展開している。そこには、同世代に支持されてスターダムへとのし上がった先行ガールズグループへのリスペクトも伺える。本稿ではJ-POPシーンにおける二大ガールズ・グループの功績を改めて振り返りつつ、J☆Dee'Zへの期待の高さと、彼女たちの魅力を検証していきたい。 　J☆Dee'Zを語ろうとする際にまず思い浮かぶのは、1995年にデビューしたスーパーグループ、SPEEDの存在だ。彼女たちもデビュー当時は小・中学生のメンバーで構成されており（最年少・島袋寛子が11歳、今井絵理子と上原多香子が12歳、最年長・新垣仁絵が14歳）、人数も4人で見事に合致。さらにMeikのパフォーマンスや出で立ちはどこか新垣仁絵を連想させる部分もあり、一部では『SPEEDの再来』という声も挙がるほどだ。２グループのデビュー曲である「Body ＆ Soul」（SPEED）と「Beasty Girls」（J☆Dee'Z）を比較してみると、前者はR＆Bやディスコ・ブギーサウンドを主体としたトラックを用いながら、TKサウンド全盛期の流行を取り入れたウワモノのシンセで、当時のJ-POP本流の楽曲へと落とし込んでいる。後者はこれも現在の流行である、EDMマナーを踏まえたTRAP感のあるビートに、80’sのディスコサウンドを彷彿とさせるチープなシンセサウンドを加えており、どちらも当時の最先端なダンスミュージックを捉えながら、あくまで日本向けに落とし込んだ仕上がりとなっている。その音をフレッシュで抜けの良い声によって、さらにポップなものへと変えるMOMOKAとNonoの歌は、当時の今井絵理子と島袋寛子に近しいものを感じることができる。彼女たちは成長と共にそのボーカルも進化してきたことから、J☆Dee'Zにも大きな期待がもてそうだ。 　パフォーマンスのあり方においては、現在のJ-POP界で女子中高生に絶大な人気を誇っているE-girlsを連想させる。J☆Dee'Zとはグループの構成は異なるものの、パフォーマンスや活動の幅広さという点で共通する部分はいくつか存在する。E-girlsは各自がモデル活動なども行い、ファッションアイコンとしても支持される存在であるとともに、バラエティなどでも高い能力を発揮。また、ヒップホップ・クラブミュージックを上手くポップに表現したトラックはもちろん、高いダンスパフォーマンスやボーカルも特徴的だ。一方のJ☆Dee'Zは、ストリート雑誌でモデルを飾ったかと思えば、デビュー曲の「Beasty Girls」では、ダフト・パンク以降のクラブミュージックを上手くポップスに昇華。タイトルからビースティー・ボーイズをも連想させるこの楽曲で、ヒップホップ・クラブミュージック界隈へのアプローチも行っている。さらに、彼女たちは「中学生による中学生のための中学生限定イベント」というコンセプトの『JC☆DISCO』を定期的に開催。同イベントはいわば“JC向けのクラブイベント”といったところで、ゲストDJが会場を大いに盛り上げたり、ホスト役のJ☆Dee'Zがライブを披露する場であり、メジャーデビュー以降も同世代を巻き込んだイベントとして発展していくことだろう。 　昨年までJCアイドルだった橋本環奈（Rev. from DVL）や、子役“まいんちゃん”やJCモデル“はるん”として活躍していた福原遥は今や高校生になり、次のJCカルチャーの担い手が待望されている。J☆Dee'Zがその担い手となり、さらなる“JCブーム”の火付け役として活躍する可能性は十分あるだろう。（向原康太）